WAR AT A DISTANCE (2003) - Harun Farocki

   Visión desde el punto de vista de la máquina; violencia y capitalismo. Este filme explora todo esto a través de la visión de Farocki, quien nos lo cuenta y nos dice que nuestra manera de verlo es ingenua.   La tecnología avanza gracias a la guerra y se le encuentra un uso en la vida diaria.  Entre nosotros y la guerra hay una distancia, un claro ejemplo, como lo comentábamos en clase, es un videojuego, pues todo es una simulación, un entrenamiento de batalla y vuelos. En el filme nos lo muestra con la nueva tecnología; un nuevo mundo de imágenes y máquinas que se revelan. Máquinas que no son para humanos, sino para los nuevos sistemas digitales. Hasta cierto punto empieza a dar una sensación de miedo, es como si fuera una invasión zombie a la que ya no pudiésemos escapar; necesitamos la guía de supervivencia zombie de Max Brooks.   Aunque todo sea una simulación es parte de algo grande. La manera en la que el Sr. Harun explora y utiliza imágenes del pasado uniéndolas con el presente, mostrando el futuro es muy interesante y a la vez aterrador. No se puede distinguir entonces, entre imágenes reales con las que genera el computador, es total destrucción, bueno, más bien, producción y destrucción; pues se reemplaza el ojo humano por el del computador o la percepción de la nueva tecnología. Todo esto afecta la percepción que teníamos sobre la guerra, eliminando nuestra visión ingenua, como ya había dicho antes.

      

Parece la nave enemiga en la película de Star Wars

   La nueva imagen se crea para guiar a una máquina a destruir un objetivo, con precisión. Dispositivos que ejercen control, el poder sobre la raza humana.

   
   Todo esto me recuerda a un artículo que leí sobre inteligencia artificial Vs inteligencia humana. ‘¿Serán nuestros cerebros inferiores a las máquinas?’ me recordó al videojuego Metroid, hablando de videojuegos; en este juego el ser humano, es dominado por máquinas y éste pelea contra ellas, utilizando una máquina; en tal caso, es como una armadura equipada con todo lo inimaginable. La acción se sitúa en otro planeta y hay piratas espaciales, pero hay una civilización dominada por máquinas avanzadas y fuentes de energía destructivas, pero es más o menos lo que se trata de decir, inteligencia artificial, la cual domina y toma el poder sobre la sociedad; en nuestro caso las guerras son un pretexto y lavadas de cerebro hacia nosotros, las víctimas o no víctimas, pero parte de esa sociedad desarmada.

Pronto habrá máquinas a nuestro alrededor, capaces de actuar como nosotros; pensar, moverse y sentir.

“For men at war, the function of the weapon is the function of the eye”
Paul Virilio

'About 2,000 troops from the US led military coalition were engaged in close in combat on March 4,2002 with small pockets of suspected al Qaeda and Taliban fighters in the rugged terrain of north eastern Afghanistan as part of an operation called Operation Anaconda.... This footage is filmed and audio taped from US gunship helicopters that were part of this mission'.

     En la guerra se le enseña a la gente para ver sólo enemigos y por todos lados. el éxito viene cuando se crean máquinas de matar; todo logra su cometido cuando estas máquinas dejan de pensar y tener criterio propio.

THE WAR GAME (1965) - Peter Watkins

   Me ha gustado mucho, creo que ha logrado perfectamente unir, pero a la vez separar documental de drama. Es una visión personal y sobretodo consecuencias de todos los aspectos, si es que un ataque de un arma nuclear llegara a suceder.
Me llama la atención el caso de prohibición del filme por la televisión, a pesar de haber sido producido por la BBC. Investigué un poco sobre ello y encontré que, la razón oficial por la que fue prohibida es por violencia y la detallada descripción del sufrimiento humano. Otros dicen que pudo haber sido porque se fue en contra de la línea del gobierno oficial en cuanto a la supervivencia de un ataque nuclear.
               

          
   El poder del filme viene desde muchos puntos y lo comentábamos en clase. Las imágenes momentáneas, por ejemplo, los ojos de un niño, quemados por el aire nuclear de una explosión lejana y de pronto, el filme se va a negativo; una cubeta llena de anillos como registro de muerte; cuerpos siendo incinerados, pues son muchos para ser enterrados. Las entrevistas también forman parte importante y dan un buen complemento a lo que es documental en el filme; algunas de las actuaciones no han llegado a ser lo suficientemente convincentes, pero se salvan con las entrevistas; éstas nos muestran la conciencia contemporánea del público y su reacción a los problemas. Al principio, por ejemplo, cuando el ataque aún no llega a la ciudad, se le hacen preguntas a diferentes personas sobre lo que saben de un arma nuclear y sus consecuencias; a lo que sólo podemos ver ignorancia. Está perfectamente pensado y bien hecho, pues es claramente ficticio; los personajes son la clave, mientras el escenario se expande en amenaza.
La sociedad se va desmoronando, la civilización desaparece; mientras vemos los efectos de radiación, a los heridos de gravedad, a los que ya no tienen remedio y son excluidos; los policías toman el poder y aprovechan a los más enfermos para matarlos.
Nos muestra el horror y el miedo a una explosión nuclear; nos lo recuerda con las tormentas de fuego en Hiroshima, la luz cegadora y los terremotos. Después de todo este terror, la gente vive en su propia suciedad; uno se pregunta, si hubiese preferido morir.

            

   Una de las partes que más me han gustado, bueno, no que me haya gustado en sí, sino que me causó sentimiento al escucharla y ver las imágenes. ‘Stille Nacht’, suena en un gramófono, cuando ya no hay electricidad, tiene que ser operado a mano; de ahí que el filme nos muestra imágenes de sufrimiento, de afectados, con una que otra herida mal aplicada por parte del maquillista; sobretodo niños, los cuales quedan perfecto con el tono y letra de la canción.


‘Silent night, holy night; all is calm; all is bright 'round yon Virgin, mother and child. Holy infant, so tender and mild, sleep in heavenly peace’.

 

THE ATOMIC CAFE (1982) - Kevin Rafferty, Jayne Loader y Pierce Rafferty

   Es como un collage que muestra la propaganda y las actitudes, sobretodo, de Estados Unidos durante el auge de la bomba atómica, tan sólo unos años después de la II Guerra Mundial. También es para nosotros una burla por la época en la que vivimos y en como han cambiado las cosas, nos parece divertida.   Hay datos diversos en cuanto a la guerra fría, el juicio de Julius y Ethel Rosenberg, también una escena en la cual describen la electrocución de la Sra. Ethel con detalles y claro, con un sentimentalismo patriótico. 

  
   Me llama la atención la mentalidad gringa, cuando, por ejemplo, el ejército de los Estados Unidos dicen sobre el paisaje que la detonación de una bomba crea, ‘One of the most beautiful sights ever seen by man’. Las figuras públicas de Estados Unidos están seguros de que DIOS le ha dado el poder, la bomba, porque ellos aman la democracia.
  
   escuchar una explosión o ver un rayo de luz de repente. Parte de toda la propaganda en la película son los pequeños filmes que pasan con canciones sobre que hacer en caso deLa tortuga Burt es una de ellas, con la canción de ‘Duck and Cover’; el otro filme de propaganda es el del doctor, quien le diagnostica a un hombre la enfermedad de “nuclearosis”, lo cual es bastante gracioso. También la escena en donde dos chicas, muy orgullosas por lo que han creado, explican sobre las provisiones que hicieron en su hogar para llevar a los refugios; llenaron tarros con papas, leche y vegetales deshidratados y fruta seca.

   La impresión de toda está propaganda es la espera de una guerra nuclear inconveniente, pero divertida.  

Otra parte divertida en la que se nota mucho lo que ya he dicho sobre lo inconveniente, pero divertido, es cuando hacen el simulacro con una carga excesiva de dramatismo y demás. Todo es parte de un simulacro; fue como una moda y una obsesión. 

      
   La música es parte de toda está diversión presentada; he investigado un poco y encontré un soundtrack del documental. Con participación de los Buchanan Brothers con “Atomic Power”, “Uranium” de los Commodores, “Atomic Love” de Little Caesar y muchos más; Rock n’ Roll, Blues, Country, etc. Durante los 40’s y 50’s la industria de la música respondió en cuanto al auge de la gran bomba, dando como resultado toda esas canciones de temas variados, pero todos enfocados en un solo tema, ya sea devastador, de amor, sobre el uranio, etc. En verdad que parece ser todo una broma o burla a tales hechos.

   He encontrado la versión original del filme de propaganda sobre la tortuga Burt y la famosa canción "Duck and Cover":

  

HUMAN REMAINS (1998) - Jay Rosenblatt

   Este documental me ha parecido excelente. Expone a famosos dictadores, revelando sus personalidades, un poco como si fuera un disfraz. Adolf Hitler, Benito Mussolini; Joseph Stalin, Francisco Franco y Mao Tse Tung. No nos menciona sobre sus vidas públicas, ni el poder que han tenido en la historia, sino algo más personal que, de alguna extraña manera, nos acerca a ellos, nos invita a confrontarlos. Hasta esos seres tan monstruosos llegan a ser comunes dentro de toda esa banalidad en las actividades humanas. Platicábamos en clase sobre “la banalidad del mal”, toda esa banalidad nos hace imposible distanciarnos del mal de la vida cotidiana y como decía antes, nos los lleva a ver de muy cerca.


   Me han llamado la atención los diferentes puntos en el filme en donde cada uno de los hombres estos, voltean hacia la cámara y miran fijamente. Se vuelve algo ya más personal, pues parece que miran por un instante hacia nosotros, invitándonos a saber más de sus, digamos, cochinadas de Mao Tse Tung que, difícilmente se sabe de su vida; es en parte, una confesión.

  
Las voces en off, las cuales son dos, la original y la que traduce esa original, aunque no la oscurece del todo, son esas palabras de la confesión que mencionaba, la cual completa la imagen.                           

   Otra cosa interesante y que también analizamos en clase fue sobre la transición de imagen que pasaba, separando a cada dictador; una imagen obscura, en un cementerio un sepultero excavando y el ruido de un tren. En conjunto éstas nos preparan para el viaje que vamos a dar por cada dictador, como si desenterráramos cada uno de esos archivos del mal.


   Con ironía y humor se va narrando este documental, que de manera fluida e interesante, nos cuenta o más bien, ellos nos cuentan puntos de sus vidas que nadie se había interesado en el momento; de esos disfraces psicológicos de aquellos dictadores, quienes también eran comunes- humanos.

 

NOCHE Y NIEBLA (1955) - Alain Resnais

    

   Este filme nos muestra más allá de lo que realmente tenemos en mente sobre la II guerra mundial y lo que sucedía dentro de los campos de concentración. Ha habido tantas películas sobre el tema, pero en ellas sólo vemos lo que ya sabemos o historias de amor que de cierta forma esconden y destruyen con todo el sentido de la historia en cuanto a la realidad y fuerza con lo que sucedieron los hechos.
Que mejor que ver a través de las imágenes de un documental con toda la intención y las voz narradora, quien ha pasado por ese momento y ha sido testigo de todo lo sucedido en el campo de concentración.
   En este documental no nada más es la historia que se genera a través de lo que nos está contando y la condena y pena de todos los que estuvieron presos ahí, sino también es la sentencia para nosotros, los espectadores. Las imágenes son fuertes y provocan repulsión, un rechazo por lo que estamos viendo y sintiendo en ese momento de proyección, pues no te pasó nada parecido, sin embargo, vemos que sucedió y que mucha gente inocente la ha sufrido. Creo que esa es una técnica importante, de parte del director, pues al poner a alguien que sí lo ha vivido, a narrar, pues nos fuerza a pensar bastante por esas imágenes o al menos eso es lo que sentí al estar viendo. Sin embargo, la forma en la que el narrador nos va preparando para las imágenes a venir, no causa sentimentalismo; más bien, no va de acuerdo con lo que estamos viendo y la manera en la que no está contando y guiando a través de esos lugares. Nos va  como calentando antes de que las imágenes nos revelen lo que ya no podremos imaginar.
Me ha gustado mucho la manera en la que se va contando. Pasar de año, por ejemplo, cuando vemos el material en blanco y negro y después, a color, cómo veríamos tales lugares hoy en día, en este caso Auschwitz; desolado y tranquilo a comparación de la brutalidad que se llevó a cabo en ese espacio.

            

   La narración es constante y a la vez condena a través de las imágenes en las que se muestran los hornos abiertos, en donde muchos fueron incinerados; es una descripción detallada; como un tour por cada lugar del terror.

     Hay una emoción personal por parte de Alain y el narrador, Michel Bouquet; y es muy fuerte y es difícil de perderla. Otra cosa que me ha parecido muy importante es la música que acompaña las imágenes. Tiene una connotación fuerte en cuanto a lo que se nos va mostrando en el filme, en algunas escenas más que en otras especialmente. En la escena en donde más lo he notado es, cuando se combina un pasaje de flauta con imágenes de cuerpos siendo arrojados por una de esas máquinas de trabajo de tierra, y enterrados. Detrás de ese trabajo importante está, Hans Eisler, compositor alemán- austríaco de música clásica europea.

   Concluyo que este gran documental, es un testamento; al mostrar el presente y el pasado con material ya filmado durante esos días de masacre, deja una verdadera preocupación. Me quedé pensando en lo que el hombre con odio es capaz de hacer y lo que lleva el tener el poder en sus manos. Al ver esto, se piensa que todo ha quedado atrás, pero no; es como estar en ese momento, durante el holocausto y estar siendo castigado al igual que ellos. Esto no ha sido un suceso de una sola vez.

LET EACH ONE GO WHERE HE MAY (2009) - Ben Russell

Me ha gustado mucho.

Hay un movimiento complicado de cámara; usa una steadicam durante todo el filme, lo cual es obvio por la manera en la que está trabajada la fotografía, pero es muy interesante y un verdadero trabajo por parte del fotógrafo, Chris Fawcett. Una maniobra impresionante, la cual si estuvo llena de obstáculos, no nos los hace notar en ningún momento; la cámara parece volar y seguir a los dos hermanos por todos los distintos lugares en donde trabajan, en el camión, al cazar, hasta navegando con ellos por el río de Suriname. Hay una cierta libertad entre los dos personajes a los que sigue, aunque ya todo está predispuesto, pero, como el título dice, déjalos ir a donde deseen, pues es, para mi gusto un significado poético.

   Cada escena genera un efecto hipnótico muy provocativo e interesante. Me gusta mucho la escena en la calle del pueblo, en donde uno de los protagonistas se cruza en la secuencia; en un momento la cámara lo pierde de vista, pero ésta sigue su camino, documentando el lugar, de pronto, vuelve a encontrar al protagonista. ¡Por arte de magia! Eso es lo que hace parecer al momento de estar viendo y contemplando la escena, pues como ya había dicho, el camino ya estaba marcado. Es un trabajo muy realista, con un sentido muy riguroso y eso me encanta de parte de Russell; aunque ya con el camino pensado, el trabajo del fotógrafo y el retrato de intimidad entre los hermanos crea un ambiente de belleza natural y misterio sobre toda esa ficción.

   Los personajes no hablan durante todo el filme y es algo interesante y que también valoro mucho; no te explica lo que ocurre como Jean Rouch lo hace en Los maestros locos, por ejemplo, sino que nos llega de forma pura a través de la imágenes, siendo nosotros, enfrentándonos a estos dos personajes y sus tareas cotidianas.

              

FAKE FRUIT FACTORY (1986) - Chick Strand

    Es un filme muy íntimo; la cámara está muy cerca, tomando todo en primer plano, esconde y deja ver a la vez. Las tomas, la fotografía es bonita, interesante y juega con el color y movimiento; sobretodo, cuando está fuera de foco y ellas en primer plano.

   No estoy segura de que me haya gustado; en cuanto a lo que hablan me parece indiferente; el constante chisme entre ellas de lo que piensan y critican de los hombres; sobre el sexo, aunque no estoy segura si me da risa por la manera en que lo dicen, no en sentido de burla, pero con cierta empatía. Preferiría escuchar la música, la cual hace juego con las imágenes, muy mexicano, como dicen; se nota especialmente, cuando preparan de comer en la fábrica y ellas comen tranquilamente y sonrientes, siguiendo el chisme; las tomas en esas escenas me han gustado mucho.

  

   Sabe como retratar un ambiente de mujeres; la manera en que veo sus rostros; sus ojos, sus sonrisas, se ve su interior, su alma; se siente la atmósfera en la que trabajan, mientras hacen frutas, juega con el color y lo representa muy bien con los close-ups. Que no salga el dueño de la fábrica, pero si escuchamos en off lo que dice, me parece un toque más para este filme hecho muy femenino.

Para describir bien lo que digo sobre el dibujo de la mujer; en las escenas en las que están ellas en sus bañadores, acaban de salir de nadar y juegan cartas; me gusta como muestra todas las partes del cuerpo, sus gestos, siguiendo con esa línea de lo que hablan en sus días cotidianos.

   El final creo que es divertido y le da el toque perfecto para lo que ha mostrado a lo largo del filme,  a la mujer, digamos de clase baja; el esfuerzo, el trabajo que ella enfrenta día a día. El jefe se ha ido con una rubia que conoció en Las Vegas y su esposa mexicana ha tomado las riendas del negocio y con el tiempo se ha vuelto rica.

REASSEMBLAGE (1982) - Trinh T. Minh Hal

   La sensación de velocidad que tengo del filme y una forma interesante de documental, creo yo, son por los jump cuts que hay y me gusta. También me agrada la fotografía en cuanto a las tomas rápidas; dan la sensación de ser una serie de retratos, como si fuera una animación. No sé si me gusten las citas ocasionales, con voz en off de Trinh; que no corresponden a la escena. Aunque hay una gran observación de parte de la autora, en cuanto a Senegal y la propia cultura. No vemos la típica imagen moderna de un África con enfermedades y hambruna, sino niños felices y sanos, jugando; vemos a mujeres moliendo granos, pero las imágenes se intercalan con animales muerto, llenos de moscas,  en un lugar desierto; entonces hay una desconexión. Trinh busca redefinir y entender la cultura, descontextualizando lo que es familiar en las etnias africanas; trata de cambiar esa típica idea superficial que se tiene de la identidad y cultura.

CANNIBAL TOURS (1987) - Dennis O'Rourke

   Es la modernidad, un comentario a la modernidad; ver como turistas pagan por ver rituales y negociar precios por objetos artesanales, cuando los nativos no quieren y se sienten ofendidos; tomar fotografías a todo lo que se mueva del mundo salvaje, sin realmente apreciarlo, pues no tienen respeto y son ignorantes.
   Ya todo cambia, ahora los nativos dependen del dinero de todos esos turistas “interesados” en la cultura; no pueden hacer nada, ni decirles nada porque pueden enojarse y ya no pagar.

Se supone que la gente civilizada y los nativos, digamos, la gente primitiva, intentan convivir y entender la cultura de cada quien, pero lo he sentido al revés, pues tratan, pero no se entienden.
   Lo que me ha parecido muy interesante es en la escena en la que uno de los nativos dice hacia la cámara, la forma en la que piensa de los turistas; esos hombres de diferente color y maneras de actuar, con cámaras y demás aparatos en las manos, con su sonrisa arrogante y nuevas formas de vestir. Él dice que esa gente son sus ancestros reencarnados. ‘Todos tenían miedo; nuestros ancestros muertos han regresado’.
Ahora, lo que era primitivo, ya no lo es. Sólo actúan que lo son; se hacen indiferentes ante una cámara, cobran por fotografías. Ser primitivo, ya es tan sólo una etiqueta.

LA PIRAMIDE HUMANA (1961) - Jean Rouch

   En este filme aparecen ciertas características sociales  y comportamientos que crean un conflicto; lo vemos ante la cámara; la desconfianza, el racismo, la diferencia de culturas, la cual siempre está presente.

   Jean Rouch les dice ‘hagamos un experimento’; no tienen una historia creada, ni diálogos, es simple y pura improvisación. Es como una investigación a nosotros mismos, una profunda indagación a nuestro ser, lo que somos, y a lo que somos capaces de llegar a hacer en ciertas situaciones; como en el filme, el suicidio por amor, el deseo sexual que lleva a la “amistad”.

   Algo que es muy particular en los documentales de Rouch es que juega con la realidad, la provoca para conseguir otro tipo de realidad; la verdad escondida de la ficción. También lo que hace en cuanto a la ficción, es que no todo el filme es una total realidad de lo que vemos; en cuanto a los personajes, vemos una historia de acuerdo a ellos. En el filme los estudiantes son ellos mismos, pero la historia que se va creando a través de las improvisaciones es ficción; aunque también se entra a los sueños de los personajes, creándose una ficción dentro de ellos; cuando, uno de los personajes africanos, sueña que se casa con Nadine y hace todo un trayecto hasta la iglesia. Las relaciones y los juegos que se empiezan entre blancos y negros, es algo que se nota mucho a lo largo del filme, por ejemplo, el personaje de Nadine, y la relación que tiene con los demás; les crea conflictos y giros en todas las situaciones en la que se enredan.

   Observé algo similar en otro de los experimentos de Rouch, que recién he visto, ‘Chronique d’un été’ (Crónica de un Verano); también hay un experimento, el cual es alucinante, pues te crea una reflexión de toda tu vida, ya sea miserable o no, con una simple pregunta: ¿Eres feliz? … Hay una investigación del estilo de vida, de las actitudes que tomas hacia todo y uno mismo, sobretodo con los demás. Encontrar la verdad sobre tu ser, la cual no está dada y por eso la búsqueda. Todo en base a un buen experimento con la sociedad moderna.

JAGUAR (1967) - Jean Rouch

   Un filme muy humorístico que retrata la vida de tres jóvenes africanos de un modo experimental, una travesía que termina siendo una historia. Su viaje de Kourmi a Ghana.

   Los personajes improvisan el diálogo, mientras miran la película; a veces, bromeando de sus propias acciones. En este viaje, de los tres amigos, vemos que hay una búsqueda de una vida moderna; buscan una mejor vida y cómo ganar dinero fuera de casa, a ‘Gold Coast’, como solían llamarle. Mientrascaminan, todo es diferente para ellos, es nuevo. Cuando llegan al mar y lo ven por primera vez; al comer coco y hablar sobre su experiencia comiéndolo o cuando se separan y uno intenta tomar un camión de camino, al que sube, pero de inmediato, lo bajan porque tiene que pagar y él no lleva dinero; esa escena es una de mis favoritas en el filme. 

Siento empatía por él y recuerdo algo parecido que me ha sucedido. Llevar la inocencia y reírte de lo que ha pasado en ese camión, pues es una experiencia de la que se aprende; él mismo se burla y ríe en toda su odisea. Otra de las escenas es cuando ya ha llegado a ‘Jaguar’, ya es todo un hombre, un guapo, de trabajo, que habla Inglés, que tiene dinero. Estos personajes se reinventan y se ajustan a su modo de vida, el movimientodesconocido y rápido de la urbanidad. Todo lo que han conocido a lo largo de su camino fuera de su hogar, ahora es parte de ellos y lo muestran llegando a casa; cuando dice, por ejemplo, que no le hablen, pues no entiende más que el Inglés.